Warum erhalten Auftritte in Horrorfilmen zur Oscar-Zeit weniger Anerkennung als Auftritte in Filmen anderer Genres?

Liegt es daran, dass der Horrorregisseur von Publikum und Kritikern oft als der eigentliche Star dieser Filme angesehen wird, während die Leistungen der Schauspieler oft als völlig irrelevant und zweitrangig für den Erfolg des Films angesehen werden? Das Blair Witch Project und die Originalversion von The Texas Chainsaw Massacre liefern die schwerwiegendsten Beispiele hierfür.

Was ist beispielsweise die beste Leistung in einem Horrorfilm der letzten zwanzig Jahre? Angela Bettis in Mai? Chloe Grace Moretz in Let Me In? Gab es eine Möglichkeit, dass eine dieser großartigen Leistungen von der Akademie anerkannt würde? Nein. Sie hatten absolut keine Chance.

Natürlich gab es Ausnahmen. Piper Laurie und Sissy Spacek wurden beide für ihre großartigen Leistungen in den 1976er Jahren nominiert Carrie. Kathy Bates gewann den Oscar als beste Hauptdarstellerin für die 1990er Jahre Elend. Anthony Hopkins und Jodie Foster Beide gewannen 1991 für ihre Leistungen den Oscar Das Schweigen der Lämmer.

Hier sind fünf großartige Horrordarbietungen, die nicht einmal für den Oscar nominiert waren, es aber verdient hätten. Sie haben auch verdient gewonnen.

Jeff Goldblum

Die Fliege (1986)

Es gab ernsthafte Gerüchte über eine Oscar-Nominierung für Goldblum Die Fliegeerschien 1986, und das zu Recht. Als Seth Brundle, ein Wissenschaftler, dessen Experimente mit Teleportation dazu führten, dass er genetisch mit einer Fliege fusionierte, schafft Goldblum die schwierige Balance, uns Mitleid mit Seth und seinem sich verschlechternden Zustand zu bereiten, während wir gleichzeitig Angst vor ihm haben. Goldblums Kampf, inmitten des allmählichen Zerfalls, der sich in seinem Geist abspielt, einen Anschein seiner Menschlichkeit aufrechtzuerhalten, ist für den Betrachter unendlich faszinierend und erschreckend.

Die Fliege ist auch eine tragische Liebesgeschichte. Seth ist in einer Beziehung mit einer Frau, gespielt von Geena Davis, und ihre zum Scheitern verurteilte Schwangerschaft verkörpert Seths Tragödie und sein überwältigendes Verlustgefühl – den Verlust der Frau, die er liebt, ihres Kindes und seines Geistes.

Die Dualität von Seths Verwandlung, die Verschmelzung von Mensch und Fliege, wird durch Seths Verhalten deutlich, das immer chaotischer und ungleichmäßiger wird. Dass es Goldblum, einem Schauspieler, der in den 1980er Jahren vor allem für seine ausgefallenen Gonzo-Rollen bekannt war, gelingt, beim Zuschauer so viel Sympathie für seine Figur zu wecken, ist eine erstaunliche schauspielerische Leistung.

Christopher Walken

The Dead Zone (1983)

Verlust steht auch im Mittelpunkt The Dead Zone, eine der besten – und am meisten übersehenen – Adaptionen von Stephen King. The Dead Zone wird von Christopher Walkens Hauptdarsteller dominiert, der genauso gut und stark ist wie seine Oscar-prämierte Rolle in The Deer Hunter.

Walkens Charakter Johnny Smith ist ein Lehrer aus New England, der vier Jahre seines Lebens durch einen Autounfall verloren hat, der ihn ins Koma fallen ließ. Er hat mehr als nur Zeit verloren: Die Freundin, die er heiraten wollte, hat einen anderen Mann geheiratet und eine Familie gegründet. Er hat seine Karriere verloren. Der Autounfall hat seine Beine ruiniert und erfordert einen Gehstock. Freunde haben ihn verlassen. Er wurde auch mit der Fähigkeit des zweiten Blicks verflucht – das Schicksal anderer zu sehen, was durch körperlichen Kontakt ermöglicht wird.

Erst nachdem wir die Tiefe von Johnnys Verlust verinnerlicht haben, können wir das tun The Dead Zone wird zum Thriller. Es ist ein äußerst effektiver Thriller, gerade weil er seine übernatürlichen Elemente in glaubwürdige Situationen einfügt, die von einer Galerie interessanter Nebencharaktere bevölkert sind. Johnny ist unser Führer und Walkens Auftritt hier – eine von Walkens letzten Hauptrollen in Folge, bevor er in verrückte Charakterrollen wechselte, wie den mörderischen Vater in den 1986er Jahren Auf kurze Distanz– ist so herzzerreißend und der Schmerz seiner Figur so erkennbar, dass wir daran erinnert werden, wie wenige Horrorfilme sich die Zeit nehmen, uns für ihre Hauptfiguren und die unwirklichen Situationen, in denen sie gefangen sind, zu interessieren, bevor sie uns auffordern, den Unglauben aufzugeben.

Jack Nicholson

The Shining (1980)

Es gibt einige Leute, Kritiker, die die Leistung von Jack Nicholson für in The Shining ist übertrieben und vergisst, dass Nicholson wahrscheinlich so geboren wurde.

Die Rolle von Jack Torrance dient als Denkmal für die fleischfressenden, nackten und schmutzigen Aspekte von Nicholsons Filmpersönlichkeit in den 1970er und frühen 1980er Jahren, die wesentlich dazu beitrugen, Nicholsons Ruf als wohl größten lebenden amerikanischen Filmschauspieler der letzten fünfzig Jahre zu festigen.

Da ist Nicholsons charakteristisches Lächeln, das noch nie so beruhigend war. Dies wird erstmals in der Eröffnungsszene des Films sichtbar, in der Jack – stellen wir uns Nicholson, Hollywoods ultimatives wildes Genie, und Torrance als ein und dasselbe vor? – mit seiner Frau und seinem Sohn durch die Rocky Mountains in Richtung Overlook Hotel fährt.

Während der Fahrt erzählte Torrance seinem Sohn Danny die Geschichte, wie die frühen Pioniere auf Kannibalismus zurückgriffen, um unter den harten Bedingungen zu überleben. Es ist eine Geschichte, bei der Jack zu lange verweilt, was uns – insbesondere nach mehrmaligem Ansehen – auf die Möglichkeit aufmerksam macht, dass seine Verwandlung bereits begonnen hat, falls sie jemals endete.

Nicholsons Auftritt und die Versatzstücke des Films haben natürlich Eingang in die Filmfolklore gefunden („Wendy, Baby, ich glaube, du hast mir den Kopf verletzt“, „Ich werde dir nur das Gehirn einschlagen!“ „Hier ist Johnny!“). Es ist jedoch die Alltäglichkeit von Jack Torrance, die uns Angst macht – die Jeder-Mann-Aspekte von Jack Torrance, die im Kontrast zu der spürbaren Kombination aus Lust und Wahnsinn stehen, die später im Film über sein Gesicht strömt.

Die Entwicklung von Torrances Albtraum zwingt uns dazu, in unseren Gedanken zu handeln und über all die unaussprechlichen Dinge nachzudenken, zu denen wir fähig sind und fürchten.

Nastassja Kinski

Die Katzenmenschen (1982)

Vor Jahrhunderten, als die Welt noch eine Wüste aus orangefarbenem Sand war und die Menschheit noch in den Kinderschuhen steckte, herrschten Leoparden über die erbärmliche Gruppe von Menschen, die gezwungen waren, einen wirklich verdrehten Handel mit den mächtigen Bestien einzugehen: Die Menschen stimmten zu, ihre Frauen den Leoparden zu opfern, als Gegenleistung dafür, dass sie in Ruhe gelassen wurden.

Anstatt die Frauen zu töten, mischten sich die Leoparden jedoch unter sie und schufen eine neue Rasse: das Katzenvolk.

Paul Schraders kriminell – unterschätzter, wunderbar – gewagter Film, ein hyperstilisiertes Remake des Klassikers von 1942, erzählt seine Geschichte durch die katzenartigen Augen von Nastassja Kinski, die Irena spielt, eine der beiden verbliebenen Katzenmenschen der Gegenwart.

Obwohl sie das Aussehen einer schönen Frau hat, macht Irenas Abstammung sie zu einer gefährlichen Sexualpartnerin: Wenn die Katzenmenschen zum Orgasmus kommen, verwandeln sie sich in schwarze Leoparden und töten ihre menschlichen Liebhaber.

Kinski, die in den frühen 1980er-Jahren zum Superstar berufen schien, geht mit unendlich viel Einfallsreichtum und Anspielung auf die Figur Irena ein, die als normale, schüchterne Frau erscheint – mit erhöhter Elastizität in ihren Gliedmaßen –, deren Körper und Geist sich immer an unterschiedlichen Orten zu befinden scheinen.

Im Film reist sie nach New Orleans, um ihren Bruder zu sehen, gespielt von Malcolm McDowell, der ihr den gemeinsamen Fluch erklärt und vorschlägt, dass sie sich auf Inzest einlassen – der einzige Ausweg für beide. Sie verliebt sich in einen Tierpfleger, gespielt von John Heard, der alle ihre Geheimnisse kennt und am Ende des Films immer noch bereit ist, mit ihr zu schlafen, genau wie wir.

Jamie Lee Curtis

Halloween (1978)

 

Jamie Lee Curtis wurde in der Zeit nach der Veröffentlichung von „Scream Queen“ so sehr mit dem Spitznamen „Scream Queen“ identifiziert Halloween dass man leicht vergisst, wie entscheidend ihre Leistung für den Erfolg des Films ist.

Mit Ausnahme von Curtis‘ Laurie Strode und Donald Pleasences obsessivem Psychiater Sam Loomis waren die übrigen Charaktere im Film – insbesondere die Rollen von Annie und Lynda, Lauries zwei besten Freundinnen – als gewöhnliche Typen gedacht, was dem Stoff völlig angemessen war. Auf Laurie selbst scheint diese Beschreibung zu passen – eine schüchterne, jungfräuliche Teenagerin, die noch nie ein Date hatte.

Aber durch Laurie entfaltet sich der Schrecken, gerade weil sie Jungfrau ist. Ihre sexuelle Unterdrückung macht sie überempfindlich auf die Anwesenheit von Michael Myers aufmerksam, der fünfzehn Jahre in einer Nervenheilanstalt verbracht hat und vermutlich auch noch Jungfrau ist. Curtis, die mit siebzehn Jahren selbst keine Jungfrau mehr war, sah aus wie ein durchschnittliches Mädchen, was sie für das Publikum zugänglich machte, das sich alle mit ihr identifizieren konnte.

Curtis fand sie während ihrer Scream-Queen-Karriere wie Laurie überhaupt nicht schön. In der Rolle der Laurie Strode demonstrierte Curtis die Qualitäten, die ihre Scream-Queen-Persönlichkeit ausmachten: Fähigkeit, Ehrlichkeit und Verletzlichkeit.

Sie war attraktiv, ohne unwirklich zu wirken oder in ihrem Aussehen auch nur einschüchternd zu wirken, und sie war als normaler Mensch absolut glaubwürdig. Sie wirkt nie wie das Produkt des Hollywood-Glamours, das Curtis im wirklichen Leben war.

Like Halloween, Curtis und Laurie Strode haben das Reich der Unsterblichkeit betreten. Während Curtis die ultimative Scream-Queen des Kinos ist, ist Laurie Strode die prototypische Heldin des Horror-Genres.