"Landung!" Ich hatte so eine tolle Zeit, die Geschichte des Slasher-Killers Smashmouth mit Fußballmotiv zu sehen und zu rezensieren Der einstige und zukünftige Smash und Endzone 2 Ich habe mich an die Filmemacher hinter dem Gridiron Gorehound gewandt. Das Gespräch mit Sophia Cacciola und Michael J. Epstein gab weitere Einblicke in ein so hochklassiges Double Feature und noch einiges mehr.

Was sind Ihre Hintergründe als Filmemacher?

Wir sind beide mit der Liebe zum Film aufgewachsen und haben mit unseren Freunden Filme auf VHS-Camcordern gedreht, uns dann aber auf die Musik verlagert. Wir haben mit anderen Regisseuren zusammengearbeitet, um Musikvideos für unsere Bands zu machen, was am Ende ziemlich erfolgreich war! Michaels Band, The Motion Sick, hatte das Musikvideo zu ihrem Song „30 Lives“ auf den kleineren MTV-Sendern, und es landete in mehreren Dance Dance Revolution-Spielen. Das Video von Sophias Band Do Not Forsake Me Oh My Darling zu „Episode 1 – Arrival“ wurde in TIME als bestes Video des Jahres ausgezeichnet. 

Uns wurde klar, dass wir mehr Videos machen wollten, also kauften wir einfach ein paar preiswerte Digitalkameras und sprangen ein. Eins führte zum anderen, und innerhalb von etwa einem Jahr drehten wir unseren ersten Spielfilm. 

Was war die Inspiration für The Once And Future Smash und End Zone 2? Was war zuerst da?

Wir sind fasziniert von der Explosion der Horror-Fandom-Kultur. Wir gehen nicht besonders gerne auf Kongresse oder sammeln Unterschriften, aber wir denken, dass es eine wunderbare und erstaunliche Community gibt, die all das umgibt. Es gibt auch alle möglichen interessanten Politiken über die Beziehungen zwischen Schauspielern. Wir hatten Geschichten über Streitigkeiten darüber gehört, wer tatsächlich maskierte Rollen spielte, die in bestimmten Filmen schwer zu bestätigen sind, und dachten, dass dies ein interessanter Einstiegspunkt für das Geschichtenerzählen in die Konventionswelt sein könnte.

Michael sprach mit unserem Freund Neal Jones, der schon seit geraumer Zeit den Without Your Head Podcast macht und so ziemlich jeden entsetzt interviewt hat. Neal erwähnte, dass sich einer seiner ehemaligen Gäste beschwerte, als er einen bevorstehenden Gast ankündigte, weil sie eine öffentliche Meinungsverschiedenheit darüber hatten, wer für die maskierte Rolle, die sie beide spielten, Anerkennung verdient. Michael erwähnte Neal gegenüber, dass er ein Drehbuchkonzept für eine Geschichte wie diese habe, aber nicht vorhabe, sie zu schreiben, weil es den Zugang zu einer Convention und anderen kostspieligen Produktionselementen beinhalten würde.

Neal checkte bei seinen Freunden auf der Mad Monster Party Convention ein, die schnell zustimmten, Neal zu erlauben, dort zu filmen. Neal und Michael überlegten, wen sie für den Film besetzen wollten, und die ersten beiden Leute, die ihnen in den Sinn kamen, waren Bill Weeden und Michael St. Michaels. Ohne Drehbuch fragten wir sie beide, ob sie Interesse an dem Konzept und an einem Dreh auf „Mad Monster“ hätten. Das war Ende Juli 2019. Wir wussten, dass wir im Februar 2020 bei „Mad Monster“ drehen mussten, also machte sich Michael so schnell wie möglich daran, das Drehbuch zu schreiben, während Neal darüber nachdachte, welcher seiner ehemaligen Gäste vielleicht gerne dabei sein würde . 

Wir wussten auch, dass wir End Zone 2 vor der Convention drehen mussten, damit wir Standbilder und andere Materialien für das Produktionsdesign haben würden, also planten wir die Produktion im Dezember 2019. Wir haben einen Entwurf für End Zone 2 geschrieben und dann unseren eingereicht Freund Brian W. Smith, um einen ersten Entwurf des eigentlichen Drehbuchs zu schreiben. Wir haben das Anfang Oktober zurückbekommen und End Zone 2 in einer Woche im Dezember 2019 gedreht. 

Wie sind Sie auf Smash-Mouth und sein Design/Hintergrund als Slasher-Charakter gekommen? Einschließlich seines charakteristischen Schlagworts „Touchdown!“?

Wir wussten, dass wir den Film machen wollten, aber wir hatten keine Ahnung, was der Film im Film sein würde. Wir wollten einen kultigen Charakter, der hypothetisch alle primären Slasher-Ikonen hätte beeinflussen können. Wir wussten, dass wir etwas wirklich Übertriebenes in Bezug auf Aussehen und Persönlichkeit wollten. 

Wir überlegten Namen mit Wörtern wie „slash“ und „kill“, und Sophia sagte scherzhaft „Smash-Mouth“. Wir lachten und dachten dann, es sei ein lustiger Name, und es gibt auch ein visuelles Merkmal, ein gebrochenes Gesicht zu haben. Also haben wir den Ursprung des Begriffs nachgeschlagen und festgestellt, dass er sich auf raues, konfrontatives Fußballspiel bezieht – Smash-Mouth-Fußball! Von da an hat sich alles wie ein Schneeball entwickelt – gebrochener Kiefer, Footballspieler, „Touchdown!“

Wir mögen Fußball ehrlich gesagt nicht oder wissen nicht wirklich viel über Fußball, aber wir haben viel über die Geschichte von Fußballausrüstung und Uniformen recherchiert. Wir haben uns in den Lederkopf-Look verliebt und die Geschichte darum herum ausgearbeitet. Wir wollten, dass „End Zone 2“ ein „zeitgenössischer“ Film aus dem Jahr 1970 ist, dachten aber, „End Zone 1“ hätte in einer Zeit spielen können, in der Lederhelme verwendet wurden. Wir erfuhren, dass sie um 1950 professionell aufgegeben wurden, aber wir dachten, dass eine kleine High School sie vielleicht darüber hinaus verwenden würde, und beschlossen, dass wir End Zone 1 1955 einstellen und das chronologisch 15 Jahre vor End Zone 2 machen könnten. Wir haben eine (ziemlich teure) Vintage-Uniform und einen Helm von eBay und Etsy zusammengestellt!

Das erlaubte uns auch, davon wegzukommen, Leute im High-School-Alter für den Film zu casten, und uns auf die Art von Überlebenstrauma zu konzentrieren, die viele Slasher-„Final Girls“ in Fortsetzungen haben. Es gab Smash-Mouth auch eine Art ätherische, aus seiner Zeit stammende Qualität. Die Vergangenheit verfolgt sie alle noch immer. 

Für die Maske hatten wir das große Glück, den FX-Künstler Joe Castro gewinnen zu können. Wir haben mit ihm zusammengearbeitet, um wirklich darüber nachzudenken, wie eine ikonische Maske aussehen würde, wenn sie Ende der 60er Jahre hergestellt worden wäre. Es musste sich lebendig anfühlen, aber auch nicht wirklich beweglich sein. Joe entwarf mehrere Konzepte und probierte eine Vielzahl von Materialien aus, bevor er sich für die perfekte Maske entschied, die den Charakter wirklich zum Leben erweckte. 

Wurde irgendetwas von Ihren eigenen Erfahrungen auf Horror-Conventions inspiriert?

Michael hat auf jeden Fall versucht, so viele unangenehme und lustige Kongresserlebnisse wie möglich im Drehbuch festzuhalten. Wir wollten, dass sich das Ganze den Kongressbesuchern auf satirische Weise vertraut anfühlt. Auch die sich bietenden Gelegenheiten auf dem Kongress haben wir genutzt. Zum Beispiel stand der Kostümwettbewerb nicht im Drehbuch, weil wir nichts davon wussten. Wir fanden heraus, dass unser Freund James Balsamo Gastgeber war, und wir fragten ihn, ob wir als Smash-Mouth verkleidet in AJ einsteigen könnten und ihn einfach schlecht verlieren lassen könnten. Das war wirklich alles, was wir James gegeben haben.

Wie Sie im Film sehen können, ging James WIRKLICH auf den armen AJ los. Die Sache ist die, die riesige Menge hatte keine Ahnung, dass es für einen Film war, und sie dachten wirklich, James würde ihn schikanieren. Viele Leute gingen danach zu James, um ihn anzuschreien, und danach zu AJ, um ihn zu trösten. Wir mussten erklären, dass es nicht real war. 

Wie war der Casting-Prozess?

Für The Once and Future Smash hatten wir Michael und Bill sofort gecastet, also wurde das Drehbuch wirklich für sie geschrieben. Wir hatten bereits mit unserem Freund AJ Cutler, der eine Beinprothese hat, Pläne gemacht, ihn eines Tages in einem Horrorfilm einzusetzen und ihm das Bein abzuschneiden. Michael hatte die schreckliche Idee, AJ eine Rolle in End Zone 2 spielen zu lassen, wo ihm das Bein abgeschnitten wird, und dann den Sohn des Schauspielers zu spielen, der ebenfalls sein Bein auf verdächtige Weise verloren hat, was vielleicht mit der ikonischen Rolle seines Vaters zusammenhängt . 

Wir wussten, dass AJ talentiert und witzig war, aber er hatte nicht viel Schauspielerfahrung. Wir haben mit ihm gesprochen und beschlossen, ein Risiko einzugehen und uns für beide Filme auf ihn zu verlassen, was besonders riskant war, weil er so etwas wie der Publikumsvertreter und das Herz von The Once and Future Smash ist. Wir dachten, wir müssten vielleicht viel Zeit und Energie aufwenden, um ihn so zu dirigieren, dass er die gewünschten Leistungen erbringt, aber er war absolut ein Naturtalent in beiden Rollen, und er hat alles vorbereitet und mitgebracht, was wir wollten, also mussten wir das wirklich nicht lenken seine Leistung überhaupt viel. Bill und Michael fühlten sich definitiv ein bisschen so, als hätte AJ einige Szenen geklaut!

Für End Zone 2 wussten wir, dass wir den Film in sehr kurzer Zeit drehen würden – es stellte sich heraus, dass es sechs Tage plus ein Abholtag waren. Wir wussten auch, dass wir viele sehr lange Takes haben wollten, die dem damaligen Stil entsprachen. In der Low-Budget-Welt der 1970er Jahre hätten sie es sich nicht leisten können, das Filmmaterial für alle Arten von Berichterstattung zu verwenden. Wir haben den Dreh so geplant, dass wir ein Haus in Lake Arrowhead gemietet haben, in dem alle am Set leben. Das alles bedeutete, dass wir versierte Schauspieler brauchten, die das Projekt verstanden und mit einer zurückhaltenden, familiären Atmosphäre am Set einverstanden waren, in der jeder mit anpackt, wo immer er kann, mit Dingen wie Kochen und Aufräumen. Jeder, der an dem Film beteiligt ist (einschließlich uns), wird auch unter einem Pseudonym genannt, daher war ein volles Buy-in für das Projekt erforderlich, um daran teilnehmen zu wollen.  

Wir casten wirklich von Freunden und Freunden von Freunden, anstatt irgendeine Art von Vorsprechen zu verwenden. Die Darsteller waren alle wunderbar und kannten ihren Text in- und auswendig, sodass wir diese über 6-minütigen Szenen ohne Schnitte abspielen konnten. 

Wie war es, in einer Convention-Umgebung zu filmen?

Sehr herausfordernd! Es war laut und chaotisch, und wir konnten wirklich nichts kontrollieren. Wir hatten die Dreherlaubnis, aber natürlich war es eine wirklich aktive Convention, und wir versuchten, die Störung für alle um uns herum und auf der Convention so gering wie möglich zu halten. Die Leute von der Mad Monster Party und dem Hotel waren absolute Helden für uns! Sie haben wirklich versucht, uns alles zu geben, was wir brauchten, und das Unterfangen zu unterstützen.

Wir konnten es uns auch nicht leisten, Leute für kleine Rollen nach North Carolina zu fliegen, also besetzten wir die meisten kleineren Rollen auf der Convention. Das war interessant, denn manchmal waren es Leute, die wir irgendwie kannten, oder Leute, die an der Leitung der Show beteiligt waren, und manchmal, besonders bei den Kindern, ging es einfach auf die Leute zu und sagte: „Hey, willst du dabei sein? ein Film?" 

Beim Schreiben des Drehbuchs versuchte Michael auch, den Teil zu minimieren, der auf dem Boden und auf der Convention im Allgemeinen stattfand. Wir wussten, dass wir für eine begrenzte Zeit Zugang zu Bill und Michael haben würden, also bedeutete alles, was uns zu anderen Charakteren führte, die wir woanders filmen konnten, mehr Zeit, um die Dinge richtig zu machen, die wir auf der Convention brauchten. 

Wir rollten ziemlich mit den Schlägen. Szenen, die nicht funktionierten, wurden im Schnitt entfernt, und Clowns spielten eine viel größere Rolle als erwartet!

Wann wurde jedes Projekt gedreht und in welcher Reihenfolge? Was floss in den Retro-Stil/Vibe von End Zone 2 ein?

End Zone 2 wurde im Dezember 2019 gedreht, und der Convention-Teil von The Once and Future Smash wurde im Februar 2020 gedreht. Nach der Convention gab es aufgrund von COVID viele Verzögerungen und Umdenken. Wir haben The Once and Future Smash im Sommer 2022 fertiggestellt.

Damit sich End Zone 2 so authentisch wie möglich anfühlt, verbrachte Sophia neben der sorgfältigen Kreation von Smash-Mouth viel Zeit damit, Vintage-Kleidung zu kaufen und Garderobe, Styling und Produktionsdesign zu bestimmen. Wir haben genau die richtige Location gesucht, die zu der Epoche und dem Stil passt.

Wir baten die Besetzung, einen ganz bestimmten Schauspielstil aus den frühen 70er Jahren zu studieren, weil wir wirklich ehrliche, ernsthafte Darbietungen haben wollten, auch wenn sich die Umstände im Film albern anfühlen. Wir wollten End Zone 2 nicht mit einem Augenzwinkern ansprechen. Wir schickten Horrorschauspiel-Referenzen wie The Texas Chain Saw Massacre und Black Christmas, aber wir baten die Besetzung auch, einen Blick auf die frühen 70er zu werfen natürliche Darbietungen in Altman- und Cassavetes-Filmen. Wir haben 3 Frauen, A Woman Under the Influence, The Long Goodbye und Klute als Beispiele dafür genannt, wonach wir gesucht haben. 

Für die technischen Elemente haben wir viel darüber recherchiert, welche Art von Kamera- und Filmmaterial wahrscheinlich für einen regionalen Low-Budget-Film dieser Art verwendet worden wäre. Wir dachten darüber nach, die spezielle Kamera und den nächstgelegenen Bestand für die Dreharbeiten zu kaufen, aber nachdem wir den Preis festgesetzt hatten, stellten wir fest, dass wir digital drehen mussten. Sophia war die Kamerafrau für End Zone 2. Sie entschied sich für die BlackMagic Pocket 4K, weil sie einen ausreichend großen Dynamikbereich hat, um einen filmischen Look einzufangen, und einen kleinen Sensor, der näher an einem 16-mm-Bild liegt als so ziemlich jede digitale Kinokamera. Wir kauften viele alte 16-mm-Objektive und machten einige Testaufnahmen, entschieden uns aber letztendlich für den Kauf eines DZO Parfocal Zoom. Das Objektiv war erst weniger als eine Woche vor dem Shooting erhältlich. Zum Glück waren wir zufällig in New York und konnten das Objektiv tatsächlich aus dem Showroom abholen. 

Während der Dreharbeiten beschränkte sich Sophia absichtlich auf das manuelle Zoomen, um die Unvollkommenheiten der Low-Budget-Kameraarbeit der Ära einzufangen. Wir wollten nicht, dass absichtlich schlecht gedreht wird, aber wir wollten die gleichen Hindernisse und Einschränkungen schaffen, die Filmemacher damals hatten. Um einen filmischeren Look zu erzeugen, verwendete Sophia außerdem starke Black Promist-Filter, um das Leuchten und Aufblühen von Lichtern und Glanzlichtern im Bild zu verstärken.

Für die Post kauften wir eine Vielzahl von Filmkörnungs-Scan-Paketen und entschieden uns schließlich, unsere eigenen Körnungen mit mehreren Ebenen von Körnungsscans zu mischen. Es gab keine Schleifen und keine einfache Plugin-Lösung, die für uns funktionieren würde. Während der Bearbeitung brach Michael die Struktur des Films auf und entschied, wo die Rollen endeten und wo Elemente möglicherweise beschädigt wurden. Er legte verschiedene Körner auf verschiedene Rollen und beschädigte die Enden der Rollen und andere Bereiche, die höchstwahrscheinlich zerkratzt wurden. Michael erstellte Cue-Marken und platzierte sie mit dem Frame-Timing und -Abstand, der in dieser Ära verwendet wurde. Für den Ton nahm Michael auch den endgültigen Soundmix auf Kassette auf und digitalisierte ihn zurück und mischte ihn mit der Quelle, um die Menge an Rauschen, Wow und Flattern zu kontrollieren. 

Michael nahm auch gelegentlich absichtlich unvollkommene Bearbeitungen vor und platzierte Geräusche, die zu der Ära gepasst hätten. Es gab auch ein paar Foley-Cues, die im letzten Film absichtlich stummgeschaltet wurden, als würden sie fehlen. Wir dachten, dass diese Art von Unvollkommenheiten dazu beigetragen haben, den Film an die Epoche und das Budget anzupassen.

Wie haben Sie den Teil der Mockumentary-Interviews mit Filmemacher/Schauspieler/Talking Heads zusammengestellt?

Als Michael das Drehbuch schrieb, ordnete er die Zeilen bestimmten Personentypen zu, aber mit dem Wissen, dass einige vielleicht nicht Ja sagen würden, um den Film zu machen. Wir hatten also „Charaktere“ wie „Typ Melanie Kinnaman“ oder „Typ Mark Patton“ im Originalskript. Unser anderer Produzent, Neal Jones, war wirklich ein wesentlicher Bestandteil des Castings dieses Teils. Wir drei haben uns eine Liste von Leuten ausgedacht, von denen wir dachten, dass sie gut passen könnten. Wir konzentrierten uns auf den Pool von Gästen, die Neal in seinem Podcast hatte, und auf Leute, die er von der Ausrichtung von Panels auf Kongressen und anderen ähnlichen Dingen kannte. Neal fing an, Menschen zu erreichen. Er erklärte ihnen das Konzept und was wir von ihnen verlangen würden. Einige waren nervös darüber, wie sie in einer Mockumentary abschneiden könnten, aber viele sprangen direkt an Bord! Neal war bei diesen Leuten sehr beliebt, und sie vertrauten darauf, dass er nicht versuchte, irgendjemanden in einem schlechten Licht oder so darzustellen. 

Sobald die Personen gebucht waren, gingen wir das Skript durch und bestimmten, welche Linien für sie gut passen könnten. Wir drei haben uns auch zusätzliches Material einfallen lassen, das sich auf ihre spezifische Arbeit und Persönlichkeit bezieht. Wir haben diese von 2019 direkt in den letzten Tagen vor der Auslieferung bis zu unserer Festivalpremiere im Sommer 2022 gedreht. Als wir uns dem Ende näherten, schlug unser Redakteur für The Once and Future Smash, Aaron Barrocas, auch Material für die Interviews vor, das Lücken füllen könnte , fügen Sie Witze hinzu oder verbessern Sie den Kontext. Es war sehr hilfreich, sich Rohschnitte ansehen und dann zusätzliche Talking-Head-Bits aufnehmen zu können, um Probleme zu lösen und Lücken zu füllen. 

Wir hatten nur kurze Zeit mit jedem der Talking Heads, aber sie haben wirklich alle einen wunderbaren Job gemacht, indem sie sich dem Konzept verschrieben und das Projekt gefeiert haben. Wir waren sehr aufgeregt, den Film bei der LA-Premiere mit vielen von ihnen zu teilen. Wir waren nervös, wie sie reagieren würden, aber wirklich glücklich darüber, dass sie alle den Film zu genießen schienen und sich gut dabei fühlten, wie wir sie darstellten. Das war immer unser Ziel – diese Menschen zu feiern, mit denen wir aufgewachsen sind und die wir bewundern. 

In The Once And Future Smash gibt es viele Horror-Franchise-Witze und Referenzen. Wie hast du das alles zusammen gefädelt?

Wir sind große Horrorfans und wollten wirklich, dass dies eine Feier der Horrorgeschichte wird! Als Michael schrieb, versuchte er, die Balance zwischen Witzen zu finden, die für ein breites Publikum funktionieren würden, und tiefgreifenden Witzen, die Zuschauer belohnen würden, die sich wirklich mit Horror auskennen. Jemand hat uns gefragt, wie viele Referenzen es in den beiden Filmen gibt, und wir haben definitiv aufgehört zu zählen, aber es sind viele! 

Als Aaron bearbeitete, leistete er auch großartige Arbeit, indem er den Ton kontrollierte und Witze schnitt, die nicht funktionierten oder sich zu obskur anfühlten. Aaron fügte auch einige visuelle Witze hinzu – Dinge wie das Chyron-Timing als Pointe. 

Wird es eine End Zone 3 geben? Werden wir eines Tages mehr Smash-Mouth sehen?

Wir haben so viele Ideen für Filme, die wir gerne machen würden, also neigen wir nicht dazu, zu Projekten zurückzukehren, aber das End Zone-Universum hat für uns etwas Besonderes. Wir haben darüber nachgedacht, ein Remake von End Zone 1 oder End Zone 3D zu machen, aber es wird alles vom finanziellen Erfolg der aktuellen Filme abhängen. Kurz gesagt, wenn es eine Nachfrage nach mehr gibt, die das Budget rechtfertigt, machen wir mehr!

Als Mockumentary, wie hoch war der Grad an Improvisation im Vergleich zu geskripteten Dialogen?

Wie bereits erwähnt, war der Kostümwettbewerb völlig spontan. Ansonsten gibt es eigentlich sehr wenig Improvisationen im Film. Wir haben allen Rednern gesagt, dass sie gerne die Zeilen riffeln oder umformulieren könnten, also passierte hier und da ein bisschen davon. Zum Beispiel hat Jared Rivet einige der Fußball-Rachefilmtitel erfunden, die es geschafft haben, und James Branscome hatte Spaß daran, fast alle seine Zeilen mit Vietnam-Witzen zu versehen.  

Gibt es ein Vertriebs-/Veröffentlichungsdatum für TOAFS und End Zone 2?

Wir führen seit fast einem Jahr Gespräche mit den Verleihern und haben viele Angebote erhalten, aber wir haben im Voraus nach einer Garantie gesucht, die die kleinen Budgets der beiden Filme abdeckt. Der Markt ist jetzt so, dass die meisten Händler Angst haben, Risiken einzugehen, insbesondere bei einem ungewöhnlichen Projekt wie diesem. Also werden wir höchstwahrscheinlich mit einem Aggregator zusammenarbeiten und diesen Herbst eine Selbstveröffentlichung des Films machen. Dies war für uns in der Vergangenheit ein erfolgreicher Weg, und wir haben keine Bedenken, diesen Weg zu gehen. Es bedeutet auch, dass wir wirklich in der Lage sein werden, den Film zu kontrollieren und den besten Weg zu finden, ihn mit der Welt zu teilen. Für die Veröffentlichung steht noch kein Datum fest.

Woran arbeiten Sie beide gerade?

Sophia wird die Kamerafrau bei mehreren Genre-Features sein, die zwischen jetzt und Ende des Jahres gedreht wurden und noch nicht öffentlich angekündigt wurden, und Michael hat für die kommenden Spielfilme Manicorn (Regie: Jim McDonough) und A Hard Place (Regie: A Hard Place) geschrieben J. Horton). Wir haben auch beide als Team an Matt Stuertz' neuem Film Wake Not the Dead gearbeitet, der ein Knaller werden wird! 

Wir jonglieren auch immer mit unseren eigenen Projekten, um zu sehen, welche Ressourcen auftauchen, um das nächste Ding zum Leben zu erwecken. Mit gedrückten Daumen können wir sagen, dass wir einen Krimi entwickelt haben, den wir hoffentlich diesen Winter mit Sophia als Regisseurin und Michael als Autor und Produzent realisieren werden.